Tom Thayer - No-Neck Blues Band

IALAS SALANDIW (2009)



La No-Neck Blues Band (también conocida como NNCK) es una formación de improvisación instrumental y folk progresivo ubicada en la ciudad de Nueva York. Apadrinados por el guitarrista John Fahey, los siete componentes de NNCK publicaron en 2001 el álbum "Sticks and Stones May Break My Bones but Names Will Never Hurt Me", a partir del cual demostraron sus credenciales musicales. En el disco "Clomeim" (recientemente editado por el sello de Chicago Locust) incluyen un "Ialas Salandiw" que traza una odisea de ruidos acústicos entre la música concreta y la improvisación disonante, a lo largo de cinco minutos de ambientes serenamente incómodos. El vídeo ha sido realizado por el músico y artista visual Tom Thayer. Recuperando una tecnología videográfica añeja ha ensalzado las texturas analógicas, descartando, a su vez, cualquier tipo de postproducción digital. La pieza resultante remite a los aparatos utilizados por videoartistas como Peter Campus, Ed Emshwiller, Gary Hill o los Vasulka, y a las soluciones gráficas de abstracciones geométricas, figuras recortadas y animaciones de saturaciones cromáticas propias de finales de los años setenta y principios de los ochenta.

Benjamin Weinstein - Winter Gloves

LET ME DRIVE (2009)



Winter Gloves son una banda canadiense de pop melancólico y melodías electrónicas indicadas para la pista de baile. En 2008 editaron un LP titulado "About A Girl" que incluye este single "Let Me Drive". Los aires post-punk de la sección rítmica del tema musical vienen acompañados por unos teclados analógicos y una voz algo afectada cuyo resultado no anda lejos de unos The Rapture o unos The Faint algo convencionales. El videoclip utiliza la técnica del flipbook para ilustrar un conjunto de pequeñas acciones protagonizadas por los componentes de la banda. Tocan sus instrumentos transmitiendo un dinamismo corporal de palmadas y saltos inocuos. Todos los dibujos realizados directamente sobre papel vienen animados al pasar las páginas a una frecuencia más o menos delimitada. El resultado tiene un encanto naïf: el de la puesta en movimiento de una serie de ilustraciones manuales, metódicamente coincidentes. Los dibujos demuestran solvencia a la vez que amagan momentos precisos respecto al desarrollo musical, especialmente a nivel vocal. Benjamin Weinstein también ha realizado vídeos musicales para grupos como Hot Springs o Stars.

Megaforce - Metronomy

A THING FOR ME (2008)



Megaforce son un equipo de realizadores franceses que con unos pocos videoclips se han hecho un nombre en el panorama internacional. Estos cuatro diseñadores gráficos y publicistas forman parte de la compañía productora El Niño. Entre los vídeos dirigidos hasta la fecha destacan el del tema "Live Good" de los Naive New Beaters y este "A Thing For Me" para el trío inglés de pop electrónico Metronomy (teloneros de grupos como Justice, Klaxons o CSS). Los minuciosos recursos de post-producción digital (¿por qué ya no se habla de efectos especiales?) son el fuerte de dos piezas sorprendentes cargadas de humor absurdo y exhibicionismo amanerado. Esta impresión viene remarcada por los disfraces de Naive New Beaters y las voces agudas de Metronomy. Lo que empieza como un karaoke hermosamente kitsch muta hacia movimientos coreográficos determinados por un indicador en forma de balón (a karaoke ball), cuya presencia, finalmente, se convierte en una amenaza, más festiva que otra cosa. Palabras coloreadas, desplazamientos de cámara y reacciones extravagantes quedan combinadas ingeniosamente para solucionar un vídeo del todo atinado. En la web Promo News se encuentra una sugerente entrevista a los directores sobre el proceso de realización del videoclip.

Jake Maymudes & Colin Gill - Bill Callahan

DIAMOND DANCER (2007)



Jake Maymudes es un artista de efectos especiales que ha participado en superproducciones norteamericanas como Spider-Man 3, Las Crónicas de Narnia, Munich o Piratas del Caribe, entre muchas otras. Por lo que respecta a la realización de videoclips destaca el que filmó y editó junto a Colin Gill para el tema "Diamond Dancer" de Bill Callahan (Smog). La canción perteneciente al álbum "Woke on a Whaleheart" es indie-rock delicadamente afectivo. Línea de bajo precisa, violines sutiles, distorsiones eléctricas controladas, punteos de banjo (?), voces femeninas y una aire soul implacable para un tema redondo dirigido por la serena voz de Bill Callahan. Los apuntes de viaje filmados en película de 16mm retratan el singer-songwriter entre estaciones de tren y carreteras secundarias, dando un toque beatnik que deambula hacia la búsqueda personal. Los montajes emocionalmente empáticos de Gregory Markopoulos en títulos como "The Illiac Passion" (1967) pueden venir a la memoria durante el visionado de un videoclip que en sus momentos más acaramelados (esos paseos por la playa hacia el atardecer), recuerdan las imágenes del malogrado fotógrafo Herb Ritts para el clásico de Chris Isaak "Wicked Game".

Michael Reich & Michael Pinkney - The Shins

TURN ON ME (2007)



Michael Reich y Michael Pinkney son dos realizadores audiovisuales que han participado en diversas producciones cinematográficas y televisivas. Al parecer, solamente han realizado un videoclip conjuntamente, firmado como Michael. "Turn On Me" es el séptimo tema de Wincing the Night Aways, el álbum que The Shins publicaron el año 2007. El pop luminoso de este cuarteto de Albuquerque (no confundir con Alburquerque y su Contempopránea) sigue una línea psicodélica que brilla como la california de los Byrds y los Beach Boys, pero con una herencia eléctrica inevitablemente indie. La pieza videográfica elaborada para "Turn On Me" mantiene una planificación precisa que desarrolla narrativamente una hilarante escena de consecuencias accidentales que supone un reverso -perversamente kitsch- a la visión idealizada del "american way of life". La crítica a la superficilidad de la mentalidad norteamericana, con el culto al cuerpo y el patetismo de sus vestimentas (ese bañador completamente ridículo) demuestran una mirada tendenciosa que estira la cuerda de lo hortera para situarse entre las capturas en vídeo a turistas de Martin Parr y el videoclip que Howard Greenhalgh dirigió para el celebrado "Black Hole Sun" de Soundgarden. Hasta a Carles Santos le podría gustar.

Richard Ayoade - The Last Shadow Puppets

STANDING NEXT TO ME (2008)



Richard Ayoade es un actor inglés reconocido por sus papeles de comediante en series de televisión como The IT Crowd. Como realizador musical destaca por haber dirigido videoclips para Super Furry Animals y Arctic Monkeys, para los que también registró el directo "Arctic Monkeys at the Apollo". Para esta nueva banda llamada The Last Shadow Puppets (formada por Alex Turner de los Arctic Monkey y Miles Kane de los Rascals) ha rodado un vídeo promocional de un hit inmediato llamado "Standing Next To Me". El plano secuencia planteado es de una pulcritud digna de elogiar. Los numerosos juegos de luces y los movimientos de cámara, perfectamente planificados, juegan a favor de una interpretación sixties que tiene en esa coreografía femenina a lo Blow Up su añadido vistoso. En un plató televisivo minimalista de aires retro es donde The Last Shadow Puppets cantan un tema contagioso que, por su rítmica incisiva y su melodía sinuosa, se sitúa entre el R'&'B de los Yardbirds y el pop delicioso de los Zombies. El resultado final no anda muy lejos de la factura visual propuesta por Patrick Daughters en el videoclip de Feist "1, 2, 3, 4" (resuelto también en un único plano).

Andrew Hung - Fuck Buttons

BRIGHT TOMORROW (2008)



Como dijo el videoartista coreano Nam June Paik hace más de cuarenta años, "As collage technic replaced oil-canvas, the cathode ray tube will replace the canvas". La proliferación de pantallas digitales a las que estamos sometidos en la actualidad parecen haber dejado anacrónico el soporte pictórico; relevado definitivamente por el continuo devenir de imágenes en movimiento.
El videoclip que ilustra uno de los temas más apocalípticos del último disco de Fuck Buttons, titulado "Street Horrrsing", parece representar a la perfección la sentencia del pionero del vídeo arte. Un cielo expresionista manipulado videográficamente con colores primarios es la base sobre la que se acumulan múltiples capas de registros capturados con un móvil, posteriormente configurados mediante el Adobe Affect Effects y el Adobe Premiere Pro. El resultado tiene algo de pintura en movimiento que balancea entre lo figurativo y lo abstracto al son de un beat repetitivo, unas texturas envolventes y unos gritos desesperanzados. "Bright Tomorrow" es out-rock denso y progresivo consecuentemente visualizado por Andrew Hung, uno de los dos componentes de este grupo de Bristol formado en 2004. El disco figura en el listado que la gente de Pitchfork se encarga de realizar para indicar los 50 discos más significativos del 2008.

Matt Amato - The Dodos

FOOLS (2008)



The Dodos son un dúo de San Francisco que practican un indie-rock intuitivamente frenético y melódicamente inspirador. Durante este 2008 han publicado un disco excelente titulado "Visiter" que contiene temas como este Fools. El realizador Matt Amato ha sido quien le ha puesto imágenes en movimiento. Este director de piezas para Imperial Teen, Red House Painters, Beach House o Cluster ha acertado visualizando los dos componentes de The Dodos en planos detallistas que, arrimados a sus rostros sudorosos, demuestrran la eficacia del uso del ralentí. El montaje paralelo entre la guitarra de Meric Long y la batería de Logan Kroeber permiten identificar la percusión, el rasgar de las cuerdas y las voces sutilmente épicas de la canción. Minimalismo e hiperrealismo se dan la mano en un vídeo funcional e ilustrativo.

Darren Hayman - The Wave Pictures

I LOVE YOU LIKE A MADMAN (2008)



The Wave Pictures es una de formaciones más inspiradas de este 2008. Acaban de publicar el segundo disco, titulado "Instant Coffee Baby" y ya se les está comparando con los primeros Violent Femmes o aquellos Hefner que encandilaron "a todo indie". Precisamente el videoclip de la canción más contagiosa del disco está realizado por el cantante de Hefner, Darren Hayman. Él mismo ha apadrinado los de Leicestershire y se los ha llevado de gira como teloneros (¿o era al revés?).
"I love you like a mad man" es directa, sencilla y brillante. Es romántica y es vitalista. El videoclip es tan simple que parece increíble que pueda ser tan eficaz. Los componentes de la banda, situados en unos exteriores al norte del norte, son los únicos elementos presentes. Aquí la gracia está en el juego de composiciones, en el equilibrio sucedido entre la simulación estática de la captura fotográfica y los inevitables desplazamientos registrados por la cámara videográfica. La pieza se sitúa entre la sesión de imágenes promocionales y el vídeo amateur debidamente planificado. Imaginando instantáneas el músico (y prometedor realizador) Darren Hayman se acerca a propuestas como la del vídeo Secret Strike de Alicia Framis.

Andy Bruntel - No Age

KEECHIE (2008)



El disco "Nouns" de No Age es una de las sorpresas más agradables del panorama musical independiente actual. El dúo de Los Ángeles formado por el baterista y cantante Dean Spunt, y el guitarrista Randy Randall, practican un indie-rock psicodélico de baja fidelidad, con intensidades ruidosas y matices atmosféricos. La mayoría de las canciones de este primer disco (atrás queda una compilación de Eps) se quedan en poco más de dos minutos rabiosamente sobrecargados. Keechie es las más ambient y vaporosa de todas. Andy Bruntel ha realizado el videoclip de la canción. El único adjetivo admisible del vídeo es el de wierd. Dos personajes, un maquillaje inquietante, una vestimenta medieval, unos globos de colores, un atardecer luminoso, un espacio abandonado y una grabación en cámara lenta. El desarrollo es lo de menos, aquí lo que importa es lo que no se explica. Sería la versión reflexiva del efusivo delirio mental que es el videoclip de Eraser (hecho por el mismo realizador, autor también de piezas para Stephen Malkmus, Mouse on Mars, Bonnie "Prince" Billy y The Mountain Goats).

Nick Zammuto/Paul De Jong - The Books

CLASSY PENGUIN (2007)



El dúo de Nueva York llamado The Books es una de las propuestas de pop electrónico más estimables del panorama internacional. Han publicado tres discos para el sello Tomlab, el último de los cuales –el esplendoroso Lost and Found– data del 2005. Posteriormente han editado un DVD que compila sus trabajos audiovisuales. "Play All. A DVD of videos" es el recopilatorio de videoclips donde se encuentra este "Classy Penguin".
En él se recogen fragmentos de home movies en super 8, Hi8 y vídeo digital, combinados como un collage visual, donde el ritmo instrumental del bajo y las bases electrónicas elevan el carácter nostálgico de un pasado íntimo. Son imágenes cotidianas de Mickey Zammuto, uno de los familiares de Nick Zammuto, artífice junto a Paul De Jong de la música de The Books. El resultado de estos cuatro minutos tiene un encanto especial. Refilmaciones, aceleraciones, congelaciones de imagen y miradas a cámara favorecen una narración sincopada recuperada del archivo familiar. Perfectamente podría formar parte de la serie de vídeos musicales FRR!

Tim Pope - The Style Council

MY EVER CHANGING MOODS (1984)

Tim Pope fue uno de los creadores de videoclips más prolíficos de los años ochenta. Su innumerable listado de realizaciones cuenta con la mayoría de vídeos promocionales de grupos como The Cure, Soft Cell, Talk Talk, Psychedelic Furs, The The o Neil Young. Para los Style Council hizo nueve trabajos audiovisuales de entre los que se encuentra este "My Ever Changing Moods", uno de los temas más bailables y uno de los más representativos del dúo de pop inglés. Es el corte más rítmico y acelerado de un espléndido LP llamado "Café Bleu" que también incluye perlas enamoradizas como "The Paris Match". El guitarrista y cantante Paul Weller y el teclista Mick Talbot unían fuerzas en un segundo disco para desarrollar un discurso ecléctico hecho de influencias del jazz, el R&B, el hip-hop, el soul y especialmente el northern soul. El vídeoclip tiene poco de especial, más allá del encanto añejo de ser un documento de un gran momento vital del genio de Paul Weller, tras su periplo con The Jam. Cantando en bicicletas de carreras, por carreteras secundarias de la geografía inglesa, es como se muestran dos músicos con pocas capacidades interpretativas (esos rostros forzados) pero envidiable inventiva musical.

Unknown - The Halo Benders

DON'T TOUCH MY BIKINI (1994)

The Halo Benders fue el proyecto compartido entre Calvin Johnson y Doug Martsch. El hombre del sello K records, Beat Happening y posteriormente Dub Narcotic System se unía al artífice de Built To Spill para reinventar el indie y el punk, acercándose a una concepción arty más que inspiradora.
Don't Touch My Bikini pertenece al álbum God Don't Make No Junk, es uno de los temas más redondos de la banda y tiene un videoclip deliciosamente amateur. Empieza como una ficción de slackers empedernidos con gafas Ray-Ban y vestimenta desaliñada para evolucionar hacia la documentación, a menos fotogramas por segundo de lo habitual, de una actuación musical. La baja definición de la textura fotográfica del super 8 eleva la dualidad entre la no-ficción (la captura espontánea desde el escenario) y la ficción (de escasa planificación) hasta un lugar común: un vídeo promocional independiente hecho con cuatro duros, un disfrute contagioso y un punto nihilista (ese "I hate everything" del final)

Matt Boyd - Lambchop

UP WITH PEOPLE (2000)



Kurt Wagner y compañía acaban de editar un nuevo disco. Se titula Ohio y continúa la senda trazada por los de Nashville a lo largo del nuevo milenio, es decir menos country, menos soul, más folk y mucho más pop. Esa parece ser la consigna del último álbum de los Lambchop. Ohio es un disco calmado y reconfortante de escucha apetecible, que tiene gemas como Of Raymond o National Talk Like a Pirate Day. A la espera de que aparezca un videoclip de alguna de las nuevas canciones vale la pena recuperar este Up With People perteneciente al disco Nixon.
Matt Boyd utiliza unas declaraciones televisivas del presidente norteamericano Nixon para cambiar el contenido de su discurso y proponer una pieza de apropiación y contenido ideológico. El recitado de la canción por parte de Wagner sustituye el habla del dirigente y transforma por completo la consigna política inicial por el vitalismo musical. El realizador y fotógrafo Matt Boyd ha trabajado para Josh Rouse, ha colaborado en Building a Broken Mousetrap de Jem Cohen y actualmente prepara su primer largometraje documental contextualizado en Brooklyn, sobre la vida de un músico de vanguardia incomprendido llamado Walter Baker.

Gerson Aguerri - El Guincho

PALMITOS PARK (2008)



El Guincho, es decir Pablo Díaz-Reixa Díaz, ha puesto patas arriba todos y cada uno de los escenarios que ha pisado este verano, al ritmo de su música tropical de samples y delirios exóticos, a menudo trance-psicodélicos. Con su segundo disco Allegranza, publicado por Discoteca Océano, se ha erigido como una de las respuestas más festivas del panorama nacional. Ha traspasado fronteras vía Pitchfork Media y promete contagiar el baile desenfrenado a decenas de países.
El zaragozano Gerson Aguerri ha realizado el primer videoclip oficial de El Guincho. Bajo un planteamiento minimalista ha sabido sacar partido de las fotocopias, los recortables y los fondos coloreados para animar el primer tema del disco. Siguiendo cierta tradición del cine abstracto de animación (las geometrías de Hans Richter y Oskar Fischinger) y de la puesta en movimiento de recortables fotocopiados (los primeros Stan Vanderbeek o Walerian Borowczyk), Aguerri y Jonatan Cremades encuentran el dinamismo de unos pocos elementos, equiparándolos a los insistentes beats. Los recitados televisivos y los bailes entrecortados del mismo Pablo completan con efervescencia un vídeo excelente.
Existe otra pieza visual de El Guincho (para el tema "Fata Morgana") grabada en DV por el crítico musical y cinematográfico Ramón Ayala, cuyo último cortometraje (en su última fase) seguro que dará que hablar.

Unknown - Gasca

VACACIONES (2001)



"Telescopio" de Gasca es uno de los discos pop cantados en castellano más inspirados del indie nacional. Contiene canciones brillantes de elegantes matices electrónicos, conectadas a los ruiditos de Kraftwerk, New Order y las melodías de los adorados Family. Elefant Records publicó el álbum en 2001 y desde entonces ha ido colocando canciones de Gasca en diferentes recopilatorios. Los donostiarras encabezados por Carlos Andreu han colgado nuevas canciones en su myspace, después de un largo periodo.
El videoclip de Vacaciones mantiene una estética publicitaria sobre-postproducida de tonos azulados y grisáceos, pantallas fragmentadas y múltiples planos encadenados. El dinamismo de la bobina de audio sigue el de las burbujas de la nadadora. Ondas acuáticas que remiten al tema Nadadora. El vídeo es la documentación representada de una grabación en la que el estudio queda visualizado como un cubo de agua. La letra de la canción es luminosa pero queda oscurecida visualmente por el exceso manierista de la edición digital. Un tema pop preciso, de vídeo promocional algo esquivo.

Chris Boyle - Black Kids

I'M NOT GONNA TEACH YOUR BOYFRIEND (2008)



"Partie Traumatic" es el primer álbum de los norteamericanos Black Kids. Aparece publicitado por todas las revistas musicales gracias a singles como "Look at me when I Rock Wichoo" o este "I'm not gonna teach your boyfriend", que enganchan como pocos. La frescura que desprenden está al nivel de los temas festivos de The Go Team!, CSS o Los Campesinos. Quien no baila con ellos es porque no quiere.
Chris Boyle ha realizado el vídeo promocional del tema más redondo del quinteto de Florida. Una pieza audiovisual que parte de la idea del collage para desarrollar una suerte de amalgama kitsch post-moderna en la que cabe de todo, y mucho. Un pastiche visual de elegancia digital. Op-art, pop-art, cheerleaders, vestuarios a lo Barry Lindon y duelos a lo Mortal Kombat. Todo muy alegre y entretenido pero menos conciso y efervescente que el Doing It Right de The Go Team!.

Jay Eckensberger - Built To Spill

YOU ARE (2001)



Los norteamericanos Built To Spill actuarán el 29 de octubre en la Sala Apolo de Barcelona. Lo harán para interpretar todas y cada una de las canciones de su aclamado álbum "Perfect From Now On" (1997). Estos dinosaurios del indie-rock y el indie-pop formados en 1992 por Doug Martsch son una de esas joyas de la música independiente, que uno no se debería perder. Tan difíciles de presenciar en directo como en su día parecían los Silver Jews del enfermizo David Berman; hasta que lo hicieron en el último Primavera Sound.
El videoclip de Jay Eckensberger parece sacado del baúl de los recuerdos. Filmado en formato super 8, contiene unas texturas fotográficas de infinitud de luminosidades, que trazan una mirada cándida y entrañable, no exenta de libertad. Como un álbum fotográfico veraniego hecho de capturas temporales. Un film diary detallista. Contagia su espíritu intuitivo, su sentido lírico y ese "Filmar Con Independencia" que parece sugerir. Una actitud que en su día defendió Lenny Lipton en su tratado del cine amateur. Hacia el final del vídeo se incluyen imágenes en negativo color y pequeñas manipulaciones digitales, ya presentes en los videoclips de Eckensberger para Califone y Radiohead. "Everybody know that you are" son las cinco palabras que se repiten lacónicamente, entre solos de guitarra sinuosos. "You Are" pertenece al vitalista disco "Ancient Melodies of the Future" (2001).

Stefano Giovannini - Dean & Britta

NIGHT NURSE (2003)



La confusión inicial que produce el visionado del vídeo Night Nurse viene dada por su aparente aire amateur. Imágenes en vídeo estáticas, y de poca resolución, de Britta Phillips y Dean Wareham dejan intuir que estamos ante la realización de un aficionado. En realidad no es así. El fotógrafo Stefano Giovannini se dedica al reportaje de calle de Nueva York y a los retratos de artistas y músicos; siendo Cat Power una de sus musas. Para el vídeo de los antiguos componentes de Luna, Giovannini se acerca al espacio íntimo de los dos intérpretes, demostrando la sintonía que existe entre ellos. La voz de Britta Phillips estuvo presente en la gira de despedida de Luna. Dean & Britta desvelaron su romance a raíz del seductor disco L'Avventura. Fue en el año 2003 cuando cautivaron con temas como este Night Nurse.
Las imágenes congeladas de Dean y Britta producen un efecto de distanciamiento, que contrasta con la puesta en movimiento de unos fragmentos íntimos, cálidamente reconfortantes (tocando la guitarra en el sofá de casa, cortándose el pelo mútuamente, paseando por las calles de la ciudad, "durmiendo por siempre en La Vía Láctea"). Para enamorarse. Una fotografía de Alain Delon y Mónica Vitti recuerda el homenaje que el título del disco brinda al film de Miquelangelo Antonioni.

John Maclean - The Beta Band

INNER MEET ME (1997)



La Beta Band ha sido una de las bandas más grandes que ha dado el pop británico de los últimos años. Algunos no nos cansamos de reivindicarlos. Pero no llegaron al público que su calidad musical merecía y acabaron divagando hacia el indie comercial hasta desaparecer el año 2004. Renunciaron a una inventiva desbordante, perfectamente representada en los tres primeros Eps. Si Dry The Rain dejó a más de uno completamente boquiabierto con sus emocionantes progresiones de caleidoscópica intensidad (incluso se incluyó en la película Alta Fidelidad); Inner Meet Me lo hizo mediante repeticiones de fraseados en espiral, a la búsqueda del acid-folk psicodélico. John Maclean fue el Dj de la banda (samples, breakbetas, etc.). Él mismo realizó los collages de las ingeniosas portadas del grupo y algunos de sus videoclips más recordados. El de Inner Meet Me aprovecha los paisajes montañosos escoceses para enmascarar a los propios betabandidos y hacerles demostrar sus poderes paranormales. El resultado es un ritual animal que recuerda los cientos de videoclips con disfraces, las invocaciones de Lucifer Rising y los movimientos poseídos de Gisele Kerozene.
The Aliens (con tres antiguos componentes de la Beta Band) editaron un disco el año pasado titulado Astronomy For Dogs .

Blair Young - Camera Obscura

I LOVE MY JEANS (2005)



The Forest of Black es la productora de videoclips y documentales musicales donde trabaja el realizador Blair Young. Éste ha participado con grupos ingleses de pop independiente como Teenage Fanclub, Belle and Sebastian y Camera Obscura. El combo de la vocalista Tracyanne Campbell inició su andadura con un tema llamado Eighties Fan que les colocó al lado del pop cándido post-adolescente de los pioneros Belle and Sebastian. Los de Glasgow acturaon recientemente en el Contempopránea de Alburquerque (Cáceres) y dieron unos de los conciertos más recordados del segundo día.
El vídeo I Love My Jean es un entrañable homenaje a la imagen fotográfica analógica y al cine amateur. En un fondo con proyecciones de diapositivas, diaporamas, estereoscopios o view-masters los componentes de Camera Obscura muestran sus vestimentas sixties, mientras encuadran por el visor de sus cámaras de super 8. Todo muy retro y nostálgico. El deje hippy-happy del estribillo (con sus palmadas y su vitalismo) es de los que alegran el día. Repeticiones, superposiciones y acumulaciones de los músicos –a modo de recortables– se resuelven digitalmente. Paradoja excusable por la dificultad en aplicar esos mismos recursos fotográficamente. La pieza audiovisual del tema Lloyd I'm Ready to Be Heartbroken sigue otros caminos igual de acaramelados: entre el musical, Amo a Laura, Corazonada de Coppola, Los paraguas de Cherburgo de Jacques Demy y el pop-art decorativo.

Cat Solen - Los Campesinos!

DEATH TO LOS CAMPESINOS! (2008)



Cat Solen es una de las realizadoras de videoclips más activas de la actualidad. Su premiado trabajo para el tema At the Bottom of Everything de Bright Eyes le ha permitido realizar piezas para grupos como Death Cab For Cutie, The Decemberists y CSS (remarcable la solución formal del vídeo Alala y ridícula la puesta en escena del genial tema Let's Make Love an listen to Death from Above).
El de Los Campesinos! empieza como un ensayo intrascendente correctamente encuadrado para convertirse progresivamente en un delirio imaginativo de consecuencias sorprendentes. Efectos digitales. Arco Iris. Unicornio. Confetis y globos. Elementos coloreados que hacen vibrar las imágenes al son de un riff festivo y juvenil como pocos. Las entusiasmadas voces femeninas y masculinas de unos veinteañeros en estado de gracia hacen el resto. Actuaron en el pasado Summercase, bailaron hasta la extenuación y se convirtieron en la propuesta internacional más fresca y contagiosa del festival. ¿La única? Posiblemente. Al lado de ellos bandas como los Sex Pistols confirmaron que la actitud, la energía y las ganas de compartirlas se pueden desvanecer como por arte de magia. Señores, el punk no era esto.

Julian House - Stereolab

THREE WOMEN (2008)



El 18 de agosto aparece el nuevo disco de Stereolab, Chemical Chords. El último trabajo de estudio de los de Londres data del 2004, Margerine Eclipse. Es por eso que las nuevas canciones de Laetitia Sadier y Tim Gane (myspace) suenan más esplendorosas que nunca. Prometen ser la banda sonora ideal para este verano, al lado de Chet y Brad.
En la caja Oscillons From The Anti-Sun (formada por de tres CD y un DVD) se recopilaban todas las piezas audiovisuales de los singles de la banda, pero eran pocos los que alcanzaban, en términos visuales, el excelente nivel de las canciones. Con el videoclip del single Three Women la concreción figurativa, la abstracción geométrica y la rítmica sinestésica se conjuntan para dar lugar a una clip brillante que no esconde influencias de la visual music, la animación abstracta y el cine de vanguardia. Films como los de Piotr Kamler, Oskar Fischinger y Harry Smith pueden venir a la mente durante el visionado. Pero aquí la digitalización, la animación líquidas y la saturación cromática quedan acentuadas. Algunas películas de estos clásicos del avant-garde fueron proyectados durante las últimas actuaciones en directo del grupo. De hecho la querencia de Stereolab por el cine experimental también incluye otras referencias en canciones y títulos de discos que citan a Stan Brakhage y Ernie Gher, entre otros.

Jim Springer y Jens Jurgensen - Mercury Rev

CHASING A BEE (1991)



Encantado, y algo perplejo, al descubrir el link que los Mercury Rev han puesto al blog Visionary Film, en su web oficial. En cierta manera parece ser una de las cuatro direcciones que Jonathan Donahue visita con asiduidad, aunque sea en castellano y no en catalán. Anyway.
Muchos descubrimos la música psicodélica de los de Buffalo a partir del cándido Deserts Songs (1998). Pero en realidad el sonido más marciano, psicotrónico y emotivo de la banda provenía de los dos primeros discos: Yerself is Steam (1991) y Boces (1993). En ellos la tenebrosa voz de David Baker dibujaba espirales enfermizas difuminadas por capas de aullidos subterráneos y descargas de electricidad insuperables. El "Chasing a Bee" es el primer tema del primer disco. Toda una declaración de principios. El videoclip es denso como pocos. Se nutre de found footage, lejía sobre celuloide, filtros de colores, gran angulares, accionismo vienés, terror de serie B, girasoles y un David Baker "de viaje por el sol" (como Syd Barrett y como Los Planetas; que le dedicaron el tema "DB" del disco POP).

Marçal Forés - The Cheese / Les Aus

SCOOBY DUDE (2005)



El realizador Marçal Forés combina el cortometraje de ficción con el videoclip de música independiente. Yeah! Yeah! Yeah! (2005) y Friends Forever (2007) son dos trabajos narrativos, rodados en 35 mm, protagonizados por adolescentes arties con dudas existenciales y diálogos ocurrentes. Las citas y los interludios musicales dejan entrever un gusto por los sonidos indies materializados en dos ingeniosos videoclips para Sibyl Vane y Les Aus. La gente de Croatan documentó magníficamente su recorrido y su punto de vista en un reportaje delirante de apropiación, proclive a un sutil sentido del humor: Croatan - Marçal Forés. En el videoclip Arnau Sala y Mau Boada aparecen en imagen conectados por una temblorosa mancha oscura. Decenas de fotografías en blanco y negro manipuladas plásticamente (rotuladores y collages) trazan el ritmo espasmódico de la guitarra eléctrica y la batería. En los márgenes, las señales de la truca. Abajo, la numeración. Dibujos animados incrustados en la actuación y, al final, un pequeño giro, feedback, distorsión y adiós a la gravedad.
Hoy mismo se podrá visionar junto a otros clips musicales de animación del ámbito nacional en las Portes Obertes + Efímer Club de Can Xalant.

Matilda Vidal de Llobatera i Oscar Lorca - Joan Miquel Oliver

HANSEL I GRETEL (2008)



El autor danés Hans Christian Andersen escribió en el siglo XIX varios libros de poemas, otros de viajes y cuentos para niños como el célebre Hansel y Gretel. El músico mallorquín Joan Miquel Oliver (compositor de los Antonia Font) quedó prendado de las ilustraciones infantiles que representaban la casa de los niños. Caramelos y colores. "Pirulins i piruletes". Surrealismo catalán conectado con la literatura danesa por medio de dos realizadores televisivos especializados en las sugerencias cromáticas. Matilda Vidal de Llobatera y Oscar Lorca han formado parte del equipo de producción de "Colors en Serie" y sus diez capítulos monocromáticos creados para la TV de Catalunya durante el 2007. El interior de una piscina vacía es el espacio donde Oliver y su casco desproporcionado interpretan el tema, acompañados de azafatas submarinistas y objetos de lo más variopinto. "Parets i cortines, grogues i liles". Gretel i Negrete. "Somiava sempre en jo, no t'adormis". Letra y escenografía intercalan significados onírico-surrealistas. De la elucubración literaria al sueño sinsentido. De las cuatro paredes de la piscina decorada a la inmensidad del mar embravecido.

Raúl Cuevas - Sanjosex

TEMPS O RELLOTGE (2007)



Raúl Cuevas es uno de los realizadores más consolidados del videoclip nacional de música independiente. Atrás queda su interés por el documental observacional de carácter social, en títulos como Bell Viatge (2005) y capítulos como el de la película colectiva Entre el dictador i Jo (2005). Su filiación con la discográfica Bankrobber le ha llevado a dirigir la mayoría de videoclips de los músicos pertenecientes al sello. Mazoni, El Chico con la Espina en el Costado y Sanjosex son algunos de los intérpretes más representativos con los que ha contado.
Para el contagioso tema "Temps o Rellotge" de Sanjosex (pop acústico de aires folk) Raúl Cuevas junto con el fotógrafo Pol Orpinell utilizan una cámara de 16 mm, y otra de super 8, para plantear una pequeña ficción. En realidad es prácticamente la única: la de "chico conoce chica". Paisaje idílico. Clima estival. Adolescencia. Ternura. Felicidad. Y pellizco al corazón. Para rememorar Wonderful Town, de Aditya Assarat. "Sense paraules, hem de trobar temps per estar, molt més temps junts, sense comptar les hores passades...". Para instante, el del minuto treinta: el del baile, la filmación amateur, la mirada a cámara. Aunque las palabras no emocionen tanto como las imágenes, ¿no es maravilloso?

Santi Trullenque - Balago

ADF (2001)



Santi Trullenque es un realizador catalán que ha dirigido cortometrajes como El Hombre Invisible (1995), Plumas en la sopa (1993) Saturady Morning (2001) y un largometraje llamado Where is Demian? que, siguiendo los pasos de promoción de La Bruja de Blair, plantea una ficción sobre la búsqueda de una desaparición. Su estreno aún está por determinar. Por lo que respecta al campo de los videoclips ha creado piezas para acompañar temas musicales de Los Sencillos, Glissando y Balago, entre otros.
"ADF" es uno de los temas del disco Erm. Las fotografías iniciales, capturadas en el metro de Plaza Catalunya, plantean una narración angustiosa, algo esteticista, cuya transparencia deja paso a la crudeza visceral de los planos posteriores. Las texturas nocturnas –realizadas en formato super 8– que acaparan el trayecto por la autopista van introduciendo tonalidades rojizas, que al final de la ficción acaban por consolidarse. Fargo de los Coen o Un Plan Sencillo de Sam Raimi mantienen puntos de contacto con ese desenlace absolutamente macabro.

Marc Gartman y Chris Bacigalupo - Low

IN SILENCE (2007)



El matrimonio Mimi Parker y Alan Sparhawk (batería y guitarrista respectivamente) llevan años creando canciones delicadas, densas y melodramáticas que algunos han etiquietado como slowcore o sadcore. Las raíces indie-rock del grupo ya quedaron documentadas en el film de Sebastian Shrade Low in Europe, grabado durante una gira por Alemania e Inglaterra. Por lo que respecta a los videocclips destacan los realizados para el disco "Drums and Guns". El planteamiento austero y el tour de force digestivo de Breaker (de la acción vienesa al body art, y de éstos a la crítica gastronómica línea Supersize Me) contrasta con la puesta en imágenes, digitalmente sugestiva, de In Silence. El trabajo de postproducción de los planos (desenfoques, efectos licuosos, delays, etc.) remarca el vacío de unos espacios anodinos que los miembros de Low parecen vigilar. "It's time to leave the fields behind us, in silence".

So Me / Machine Molle - Justice

DVNO (2008)



Los diseñadores gráficos de Machine Molle se están especializando en la creación de videoclips para grupos de indie-rock con tendencias mainstream y parejas de electrónica francesa para masas. Los gráficos a la Unknown Pleasures del videoclip de Air dibujan una abstracción de música visual de aires orgánicos. El de Justice resulta ser más original y acertado. Recrea animaciones de logotipos de productoras y distribuidoras de los años ochenta teniendo en cuenta la letra de la canción. "DVNO" basa su singularidad en una continua presentación que recuerda inevitablemente a títulos como los clásicos de Movierecord. El videoclip de "D.A.N.C.E" ya indicaba la rigurosidad de los Justice por el apartado visual. Ayer estuvieron el Sònar y sin duda fueron lo mejor de la jornada nocturna. La diurna fue para El Guincho y Nisei vs Za. El periodismo musical de los medios musicales de la ciudad dará buena cuenta de ello.

Michael Sporn - Liquid Liquid

CAVERN (1983)



La discográfica Domino acaba de editar "Slip In And Out Of Phenomenon", un CD que recopila los tres Eps de Liquid Liquid. Este grupo insignia del Post-Punk y la No Wave del Nueva York de inicios de los ochenta destacó por una percepción rítmico-perturbadora del bajo y la batería, acompañada de voces para bailes enfermizos. El tema "Optimo" inició la andadura de la recomendable arqueología sonora titulada "New York Noise", publicada por el sello Soul Jazz. La linea de bajo de la canción "Cavern" fue sampleada por Grandmaster Flash y Melle M para el clásico de Hip-Hop Od School "White Lines (Don't Do It)". El vídeo de animación de la productora Michael Sporn dibuja figuras monocromas de movimientos pesados, algo patéticos, que amenazan la sociedad. Los efectos de post-producción (repeticiones y divisiones de encuadres) dan un tono incómodo y angustioso a unos personajes de estética junk art, resueltos mediante acuarelas y animaciones en slow motion. En ciertos momentos recuerdan al ritmo y las cadencias de personajes como los del célebre Moonbird de la pareja Faith y John Hubley.

Dougal Wilson - Goldfrapp

HAPPINESS (2008)



El realizador inglés Dougal Wilson es uno de los nombres candentes del videoclip internacional. En el DiBa le dedican una sesión titulada Good Vibrations que repasa todos sus vídeos hechos hasta ahora. Muchos de ellos presentes en la web de la productora de videoclips Colonel Blimp. Después de piezas irónicas para Jarvis Cocker y otras enigmáticas para Bat For Lashes le llega el turno a Goldfrapp. Un plano secuencia postproducido digitalmente muestra la alegría de un actor que salta incansablemente al ritmo del beat electrónico. El planteamiento puede parecer ridículo, pero el chico con el traje blanco impoluto y ese flequillo ochentero tiene un encanto especial, un aire a musical naïf del Hollywood de los años 50 que resulta gracioso de observar. El modo de interactuar con lo que va sucediéndose en la calle y las continuas apariciones de Alison retomando el hilo de la letra de la canción convierten el videoclip en un pasatiempo divertido y ameno que seguro que agradaría a gente como Gene Kelly o Fred Astaire. Goldfrapp estarán presentando el disco Seventh Tree en el Sònar.

Jon Leone - Animal Collective

FIREWORKS (2007)



El de Animal Collective fue el concierto más apabullante del Primavera Sound 2008, y temas hipnóticos como este Fireworks uno de los más recordados, un highlight indiscutible. Los aullidos psicodélicos de Avey Tare (Dave Portner) acompañaron las incisivas espirales electrónicas del colectivo animal hacia límites insospechables de locura e hipnagogia (los músicos cerrando los ojos para hallar visualizaciones mentales estimuladas por focos lumínicos). El videoclip que imagina la canción sigue la línea lírico-espacial a base de fuegos artificiales, superposiciones, negativo color, time lapse y pixilación manipulados en el ordenador. El realizador Jon Leone también ha creado videoclips para grupos post-rock como Tortoise, otros de cut'n'paste hip-hop como El-P y demás luminarias del acid-folk, el psych-rock y el hippismo veraniego como Ariel Pink, Priestbird, y Dungen.

Rafael R. Tranche - Derribos Arias

A FLÚOR (1982)



El historiador, teórico y docente cinematográfico Rafel R. Tranche (coautor con Vicente Sánchez-Biosca del volumen "NO-DO: el tiempo y la memoria" y editor del libro "De la foto al fotograma", entre otros) dirigió en 1982 un videoclip para el grupo madrileño Derribos Arias. Este realizador de ficciones como Mi patio y obras documentales como Mar Madrid concretó con su único vídeo musical una puesta en imágenes esquizofrénicamente desenfadada, que acompañaba una de los temas emblemáticos de Poch y compañía. La mejor banda de la movida madrileña compuso unos ritmos de sintetizador analógico que las tonalidades de la voz de Ignacio Gasca y el tono absurdo de la letra dieron lugar a un de sus temas más imaginativos (otros serían "Branquias bajo el agua" y "Aprenda alemán", recopilados en el cd "CD"). Ejecutivos Agresivos y La Banda Sin Futuro fueron los nombres que Poch utilizó para crear una música electro-psicodélica sin precedentes que tuvo poca continuidad. El vídeo es una ficción entrañable y un documento impagable.

Angus Cameron - Primal Scream

LOADED (1992)



"We wanna get loaded. And we wanna have a good time". Eran las palabras que pronunciaba Peter Fonda en la película Los Ángeles del Infierno. Andrew Weatherall las utilizó para arreglar el tema Loaded y dar con el primer hit de los Primal Scream. Con Screamadelica los de Manchester se dejaron asesorar por la producción del Dj y consiguieron unos de los discos canónicos de los años noventa. El grupo edita nuevo disco el 21 de julio y estarán en el Summercase para presentarlo. Buen momento pues para revisar los videoclips de la banda; además, hoy los "reds" han ganado la Copa de Europa.
Si Bobby Gillespie y compañía tienen un vídeo musical digitalmente impactante este es el de Kill All Hippies. A nivel estético es el de Loaded el que mejor utiliza la tecnología videográfica de la época. Múltiples superposiciones, solarizaciones, abstracciones y colores chillones son algunas de las soluciones formales que participan del juego narcótico-festivo y psicodélico de la música. El resultado mantiene un aire kitsch y un tono videoartístico por los movimientos de cámara gratuitos y el uso de efectos negativos de color.

Jason Pierce/Tobias Zaldua - Spiritualized

ELECTRICITY (1997)



El 26 de mayo se publica el nuevo disco de Spiritualized, titulado "Songs in A&E". Lo mejor de los de Rugby queda ya muy lejos, fue en 1997 cuando editaron el emotivo y curativo "Ladies And Gentleman We Are Floating In Space". Pero quizá fueron los discos de Spaceman 3 los que mejor resumían el delirio creativo de la pareja Sonic Boom y Jason Pierce. Actualmente el primero dibuja atmósferas electrónicas inhóspitas (bajo el nombre de Spectrum, Experimental Audio Research y el suyo propio) mientras el segundo se deja llevar por parajes artificiales de naturaleza narcótica, sustentados en coros Gospel.
El videoclip para Electricity es el más visceral del grupo. Es la documentación de una gira por Estados Unidos donde se simulatenean imágenes de la ciudad de Nueva York con otras de un desierto atravesado en descapotable. La insistente electricidad de las guitarras, la inmediatez de las imágenes, el ritmo vertiginoso de los cortes realizados por el montador Tobias Zaldua (el edificio Crysler, el salto en puenting, el todoterreno en llamas) y el constante efecto estroboscópico del escenario, esconden unas imágenes mucho más angustiosas: la de un Jason Pierce completamente colgado (en sentido literal y figurado), grabando con una videocámara imágenes de su amada Kate Radley. La ruptura emocional de los dos llevaría a Pierce a una debacle vital y a un descenso en espiral por lo que respecta al apartado musical. Aún hoy intenta recuperarse. "Baby try not to hit the sky, baby try not to make me cry". Take Care.

Scott Lyon - Clinic

COME INTO OUR ROOM (2002)



Clinic acaban de publicar el quinto disco. "Do It!" se presentará en el Daydream Festival; evento musical a celebrar a mediados de junio. Ahí actuarán junto a Low y Radiohead. Del conjunto de videoclips realizados para los temas del cuarteto de Liverpool merecen la pena visionar The Second Line (tema que se hizo conocida gracias a una campaña televisiva de la marca Levi's) y Distortions. Los gráficos de animación digital del primero y las formas abstractas y vectoriales del segundo ensalzan unos temas ya de por sí redondos.
En Come Into Our Room la imagen tiene un referente realista. La fachada de un edificio de tonos verdosos revela cuatro músicos vestidos de médicos que parecen ser objeto de vigilancia. Los violentos zooms, los reencuadres, las regrabaciones y las texturas pixeladas desencadenan una mirada fría y aséptica como las de las cámaras de vídeovigilancia. La persecución urbana sucedida entre arquitectura racionalista y los elevados puntos de vista observados remiten a filmes de espionaje y suspense como La Conversación. El resultado tiene un aire inquietante. El ingenioso juego de líneas finales podría haber homenajeado obras de artistas conceptuales como Jan Dibbets o Francesc Abad, pero su motivo de ser es el de enlazar los protagonistas y dar con cada una de las letras del grupo, finalmente desveladas.

Galen Pehrson - Adam Green

BABY'S GONNA DIE TONIGHT (2002)



La banda sonora de la película Juno (selección musical a cargo de Kimya Dawson) ha resucitado un tema melancólico de los corrosivos Moldy Peaches, y con ello los primeros discos del fantasma de Adam Green. Del disco Garfield editado por Rough Trade cabe mencionar Dance With Me y este Baby's Gonne Die Tonight. El vídeoclip de Galen Pehrson es mucho más bizarro de lo que en un principio podría parecer. Una animación inicial hecha mediante el uso de recortables –típicos del primer Stan Vanderbeek y de toda la corriente de cineastas del Este liderados por Jan Svankmajer y Walerian Borowczyk–, deja paso a diferentes interpretaciones entre luces de neones y bombillas de feria. Unos planos desenfocados, unos contrapicados exagerados y una textura fotográfica (aunque muy pixelada, eso sí) representan una mano monstruosa, una batería desubicada, unos ojos de pez, un miembro masculino y unas ilustraciones sesenteras. Hasta aparece un tatuaje calavérico y participativo. Pehrson ha realizado vídeos para Devendra Banhart, Vetiver, Turner Cody y algún que otro anti-folky-hippie más. También se ha dedicado a hacer algunas de las portadas de los discos de estos músicos.

Andre Maat & Superelectric - Kraak & Smaak

SQUEZZE ME (2008)



Los holandeses Kraak & Smaak acaban de editar un disco inocuo de electrónica lounge y downbeat caduco llamado Plastic People. La voz soulera y los samples de violines setenteros de Squezze Me parecen sacados de algunos de los temas funk de los Propellerheads. El videoclip es un minucioso y cuidadoso homenaje al Flipbook. Todos y cada uno de los planos cuentan con decenas de fotografías mostradas rápidamente que representan el escenario en el que se ubican pero tergiversando la acción que se sucede en él. Las ingeniosas soluciones gráficas a las que llegan André Maat y compañía tienen un sentido humorístico donde permanentemente se juega con la credibilidad de la percepción.

Hammer & Tongs - Vampire Weekend

A-PUNK (2008)



Con el videoclip de Imitation Of Life el realizador Garth Jennings ya indicaba su conocimiento por la historia del cine experimental; en ese caso por uno de los títulos célebres de Ken Jacobs. En la nueva pieza audiovisual del dúo artístico Hammer & Tongs (es decir el director Garth Jennings y el productor Nick Goldsmith) el referente parece ser el Neighbours de Norman McLaren. O al menos el uso epiléptico de la técnica del stop motion así lo parece sugerir. Para ilustrar el mejor tema de los Vampire Weekend Jennings decide grabar imágenes congeladas de los cuatro músicos y editarlas siguiendo el ritmo trepidante de la batería y las guitarras. El indie-pop-punk-alegre de los de Nueva York recuerda al de los primeros años de los Talking Heads, cuando el espíritu arty de David Byrne contagiaba fácilmente por el nerviosismo bailable y la frescura lírica de temas como Pulled Up.

Ne-O - Blackstrobe

ME AND MADONNA (2002)



Parece ser que mañana Madonna publica nuevo disco. Hace tiempo que perdió cualquier tipo de credibilidad musical, pero como icono pop tiene para unos cuantos años más. El dúo francés de electro oscuro y death disco Blackstrobe le dedicó en 2002 uno de sus hits más inmediatos y recordados, el titulado Me and Madonna. El vídeo que ilustra el tema musical es una extraña mezcla de imágenes (grabadas o fotografiadas) presentadas de modo estático. Las posteriores animaciones digitales de tono robótico, los sutiles movimientos de cámara y los cambios de perspectiva sucedidos por las manipulaciones provocan una estética angulosa cercana a las películas de recortables de Virgil Widrich. Ne-O se ayudan de una narración repetitiva y enfermiza en un escenario tan sórdido como el del andén del metro. Cuatro personajes se intercambian los papeles en un ingenioso clip de poco más de dos minutos editado en DVD para la segunda compilación de Onedotzero.

Robert Shackelton - Orbital

LUSH 3 (1993)



Robert Shackelton realizó algunos de los videoclips más representativos de la música electrónica inglesa. Orbital y Underworld fueron los grupos con los que trabajó. De los hermanos Phil y Paul Hartnoll tuvo la oportunidad de realizar un montaje de imágenes para acompañar el tema Lush 3, del brillante segundo álbum de los ingleses (llamado Orbital pero reconocido como el disco marrón, por el color de la portada, y para diferenciarlo del primero, el verde).
Alejándose del uso de infografía propio de la mayoría de videoclips de música electrónica de la época (como los de los paisajes ambientales de The Orb y Future Sound of London), Shackelton decide pasearse por el mercado de un barrio residencial inglés, una soleada mañana de domingo. "A car boot sale" que documenta el movimiento de personas vendiendo y comprando artículos de segunda mano de un modo naturalista, a menudo indiscreto, que captura la esencia de los paseantes como la fotografía de Martin Parr o los vídeos de Adam Cohen. El uso de slow motion y algún tímido time lapse sirven para variar las velocidades, pero en ningún caso para asemejarlas al ritmo de los beats cyberdélicos del tema Lush 3, una maravilla utópica de la electrónica de los años noventa que la asepsia del vídeo acentúa.

Johnny Jewel - Portishead

MACHINE GUN (2008)


El largamente esperado álbum de Portishead aparecerá en las tiendas el 28 de abril, pero debe hacer un par de semanas que se encuentra en soulseek, emule y demás servidores. El disco Third cuenta con Machine Gun como single principal. El tema tiene un aire siniestro donde la voz grandilocuente (afectada pero serena) de Beth Gibbons se acopla a los ritmos electrónicos y mecánicos de sintetizadores añejos, dando como resultado un cruce imposible entre el sonido Silver Apples, la voz de The United States of America y las repeticiones de Autechre.
El realizador del videoclip es Johnny Jewel, el bajista del dúo Glass Candy. El de Nueva Jersey destaca por trabajar las texturas de las imágenes a su aire, tanto en vídeos como el de Killing Spree (aparentemente filmado en una cámara russa de 12mm!), como en los vídeos para los Chromatics o uno más cinematográfico (a lo Brian de Palma) para el tema Digital Versicolor, de los Glass Candy. Machine Gun empieza con un plano nocturno de una ciudad para adentrarse en una sala de ensayo donde los Portishead interpretan la canción. Tonos azulados, imágenes de baja calidad (entre las cámaras de vídeovigilancia y las estelas del U-Matic) y poco más de cinco posiciones de plano son suficientes para transmitir distanciamiento, extrañamiento y atemporalidad a partes iguales.

Zbigniew Rybczynski - Art Of Noise

Close (To The Edit) (1984)



Zbigniew Rybczynski es, sin duda, el nombre más complicado de escribir de todo el cine experimental. Este realizador polaco reconocido en el mundo de la industria cinematográfica (premios de la Academia incluidos) por ser uno de los creadores más perspicaces de efectos especiales, aplicados a piezas vanguardistas; cuenta en su currículum con un larga lista de títulos de entre los que destacan Tango (1980), Steps (1987) y The Fourth Dimension (1988). Todos ellos se pueden visionar en los DVD "Part 1-Media", "Part 2-Steps" y "Part 3-The Orchestra". Su listado de videoclips realizados durante los años ochenta incluye decenas de realizaciones promocionales que van del AOR de Simple Minds y Supertramp, al hip hop old school de Grandmaster Flash y el rock siniestro de Propaganda.
El tema de Art Of Noise es techno pop plomizo que prioriza los beats por encima de las melodías y las voces. El vídeo presenta filmaciones en stop motion de tres individuos y una joven riot girl enfrascados en la aniquilación de instrumentos musicales tradicionales, a la manera de las manifestaciones neo-dadaístas del grupo Fluxus, para extraer nuevos sonidos procesados mediante loops.

Víctor Iriarte - Miztura

BEGURA (2003)



Figuras geométricas sobre fondos negros. Una F y una N sobre fondo amarillento. Una C sobre rojo y una H sobre verde. Son las imágenes iniciales de un videoclip elaborado a partir de la planimetría y el estatismo, que prescinde diestramente de la profundidad y el movimiento. La fascinación por el aparato óptico que analiza las deficiencias de la percepción ocular se traduce aquí en un un conjunto de imágenes abstractas que, extraídas de su contexto original, pueden traer en mente el baile mecánico de objetos fotografiados en Ballet Mécanique, la introducción de señalizaciones por parte de Jean-Luc Godard en filmes como Alphaville o los juegos de letras y palabras en las pinturas neo-pop de Edward Ruscha.
El cineasta Víctor Iriarte captura la inquietud que producen las texturas sonoras del tema de Miztura (entre el ambient y el post-rock de raíz atmosférica) mediante la visualización de planos detalle del ojo de una chica, frases que preguntan sobre el miedo (¿a perder la vista?), refilmaciones de la pantalla de la televisión (de la odisea de Kubrick) e imágenes microscópicas de tonos azulados que casualmente remiten a las Microscopías de Isaki Lacuesta, pero desde un punto de vista más orgánico y lírico. La sucesión de vidrios graduados del final de la pieza cierra un círculo donde la miopía y el astigmatismo quedan subsanados y sublimados.

Scott Johnston - Pram - Plone

BEWITCHED (2000)



El nuevo disco de los ingleses Pram, The Moving Frontier, es un tratado de pop minimalista y ensoñador dibujado por multitud de instrumentos analógicos de lo más variopinto. La revista The Wire lo ha considerado acertadamente como uno de los diez mejores discos del año. "Bewitched" forma parte de The Museum of Imaginary Animals pero la versión utilizada por Scott Johnston para acompañar este diario fílmico es una remezcla sin letra hecho por el dúo Plone. Filmada en super 8 con la película de Kodachrome 40 (recientemente suprimida por la multinacional), Tourfilm es un conjunto de impresiones capturadas en Russia, Turquía y Alemania. Las miradas fugaces -o los glimpses que poetizaba Jonas Mekas- hacen acto de presencia en una pieza cinematográfica amateur con fin musical que, sin estar editada en cámara, mantiene el espíritu de la filmación original. Imágenes en movimiento (travellings desde aviones, autobuses y barcos) y planos estáticos completamente efímeros de puestas de sol y arquitecturas emblemáticas como la Plaza Roja de Moscú son los recursos y los motivos de los que se sirve Johnston para elaborar un film que, sin estar rodado frame a frame, cautiva por la textura fotográfica y por la veloz yuxtaposición de encuadres.

Doug Aitken - LCD Soundsystem

SOMEONE GREAT (2007)



Para el segundo videoclip del último disco de LCD Soundsystem, James Murphy contó con la participación del fotógrafo y vídeoartista norteamericano Doug Aitke -uno de los nombres punteros dentro del arte contemporáneo, como atestigua el proyecto Sleepwalkers producido por el MoMA de Nueva York-. El pop electrónico de cadencias electro de "Someone Great" queda articulado visualmente con una pieza videográfica, planificada y meditada, que destaca por la presencia de una figura oscura completamente opaca, que interactúa con un escenario representado de modo realista. La manipulación digital del personaje principal ofrece instantes chocantes por la relación que establece con los que le rodean. Se podría conectar con la sombra proyectada por Beck en el videoclip Deadweight (dirigido por Michel Gondry), por la borrosidad de Robin Williams en el film de Woody Allen o por la desaparición de ciertos personajes en las películas de found footage de Naomi Uman, mediante el tratamiento directo sobre el celuloide de super 8, en películas eróticas de serie B.

Hal Hartley - Yo La Tengo

Al director Hal Hartley hay que considerarlo como el genio del cine independiente (narrativo) i norteamericano de la década de los noventa. The Unbelievable Truth, Trust, Simple Men, Amateur y Henry Fool son algunos de los largometrajes más representativos de una mirada particular hecha de austeridad, equilibrio y coherencia. La capacidad para definir personajes "slaker" situados entre el nihilismo, la intelectualidad desperdiciada y el "preferiría no hacerlo" que anunciaba Herman Melville en Bartleby, el escribiente, le lleva a utilizar una suerte de diálogos irónicos y malsanos que vienen a cuestionar la educación sentimental de la sociedad yankee.
El videoclip para el single del disco Painful de los entrañables Yo La Tengo es una comedida representación de un ensayo de la banda donde apenas se interpretan unos cuantos acordes de guitarra eléctrica. Ira Kaplan rasga ruidosamente las cuerdas y da por concluido el ensayo. El modo de filmar de Hartley recuerda el naturalismo (por la iluminación y los encuadres escogidos) que Jonathan Demme utilizó para el The Perfect Kiss de New Order. Presentados como otros trabajadores más, carentes del glamour de las estrellas pop, el bonachón de James McNew, el sonriente de Ira Kaplan y la simpática de Georgia Hubley (lo digo por experiencia propia) preparan los instrumentos para recogerlos a continuación. La sincronía entre sonido e imagen se pone en duda y el videoclip da lugar a una narración de cortometraje con anécdota final (en este caso en medio), filmado con una textura fotográfica que lo hace especial.

Luis Cerveró - La Estrella de David

NO HACÍA FALTA (2007)



Como dice elmedranico, que es un crítico muy fiable del youtube: "Esta canción es la hostia. Y punto pelota". De un plumazo se ventila toda la parafernalia literaria que rodea la prensa musical que va de entendida y da en el clavo para anunciar una de las nuevas canciones de La Estrella de David. El nuevo proyecto del inestimable David, el líder del grupo catalán Beef, cuenta con un primer largaduración editado por el sello granadino El Ejército Rojo, comandado por Los Planetas. El videoclip de Luis Cerveró podría parece un primer intento de Screen Test a la Warhol o un relectura del vídeo del Walk On The Wild Side de Albert Pla, pero es un sosegado y sincero retrato de David, grabado en exteriores con unas tonalidades amarillentas y verdosas que capturan el estado anímico intuido en las letras. Los mínimos movimientos de cámara eluden el encuadre de detalles para proponer nuevas composiciones espaciales que tratan de capturar el entorno inhóspito de Sant Feliu. David le canta "Al cine de miedo" ("t'agrada el cinema de terror?"), "a quedarse en casa", "a quedarse enganchado, de nuevo", "a llorar", "a estar peor, a estar igual". Le añade un teclado, una batería indecisa, una interferencia telefónica de móvil y unas voces de fondo enigmáticas con las que consigue tocar la fibra sensible, "por el paso del tiempo", "por el amor perdido" y "por el futuro indeciso".

UVA - Battles

TONTO (2007)



United Visual Artists (UVA) es un colectivo inglés fundado con la intención de encontrar posibilidades expresivas mediante la luz, en ámbitos como la performance y las instalaciones. Han colaborado con bandas electrónicas como Massive Attack, Chemical Brothers o Colder pero también con los jovenzuelos de los Artic Monkeys, los sosos de los Travis y la cantante Kylie Minogue. De la colaboración con una de las bandas del año, los hiperactivos Battles, surge un videoclip cercano a la música visual y al arte de la luz; y por extensión al arte conceptual y al land art. Situar los fluorescentes del videoclip al lado de la espectacular pieza The Lighting Field del artista Walter De Maria, de las esculturas lumínicas de Dan Flavin o de las de James Turrell no resulta gratuito en la medida en que observar los planos del vídeo y la metódica disposición de los elementos ayudan a pensar en una distribución funcional (los pararrayos de De Maria) y otra más expresiva y etérea (los homenajes a Tatlin de Flavin). Los ritmos sincopados de las dos baterías de los Battles y las introducciones de beats digitales quedan puntuados por cambios lumínicos que, por analogía, remiten a la Visual Music, a la idea de combinar imágenes abstractas en movimiento como si de una partitura musical se tratara. El amanecer sucedido hacia el minuto 6 tiene un halo de misterio que los travellings laterales ayudan a ensalzar. El hecho de que dure 7 minutos lo aleja de todo tipo de comercialidad y pone sobre la mesa el debate de si el videoclip es un mero acompañamiento para una campaña publicitaria musical o, por el contrario, un soporte artístico como cualquier otro.

Nicolás Méndez - Plastic d'Amour

UN PASSÉ OU DEUX (2006)



En el DVD "Eclectia: un panorama del videoclip nacional contemporáneo" coordinado por Luís Cerveró, se recopilaban una serie de videoclips que ofrecían una muestra rigurosa de algunos de los realizadores nacionales más interesantes de los últimos años. Independientemente de los grupos musicales escogidos lo importante era demostrar que había un conjunto de directores de videoclips con criterio y sensibilidad, capacidad conceptual y fuerza visual para a acompañar, ilustrar o ensalzar temas musicales mediante imágenes en movimiento. Entre la selección cabe destacar la ausencia del propio Cerveró y la presencia de Nicolás Méndez. Con el videoclip para el grupo Plastic d'Amour Méndez configuró una sucesión de planos destinados a colocarse junto el primer tema del segundo disco de la banda del sello Siesta. Con un aire cercano al de la primera película de Sofia Coppola, Las Vírgenes Suicidas, Méndez dibuja un panorama cándido y enternecedor protagonizado por jóvenes adolescentes (principalmente lolitas como las de los diarios de Guerín) distraídas en juegos propios de enamorados. Filmada en 16mm con la ayuda de la camarógrafa Juana Jiménez, la pieza encuadra unos rostros enigmáticos en espacios exteriores como polideportivos, zonas de skate, pistas de atletismo o de tenis. Amaneceres congelados y atardeceres azulados sirven para ubicar unas chicas cuyas miradas espontáneas y sus mínimos gestos captan toda la atención. Nicolás Méndez también ha realizado tres videoclips recomendables para el grupo de soul-pop Edwin Moses.

Artem Galkin - Pan Sonic

TELAKOE (2006)

"Del indie-pop al techno y del tecnho al illbient noise". Para una tarde apagada y lluviosa nada mejor que un tema melancólico de Le Mans o una salvajada ruidosa como la de los finlandeses Pan Sonic. "Talkoe" es una breve, pero intensa, experiencia auditiva hecha a partir de un beat aterrador y unas pocas texturas angustiosas. A lo largo de estos tres minutos el realizador, guitarrista y bajista Artem Galkin encuadra el monitor de televisión con una cámara de vídeo para realizar el conocido efecto fader, aquél en el que la imagen se repite numerosas veces, consiguiendo a menudo una concatenación infinita de elementos en profundidad. El taladro musical se acopla al minimalismo de las imágenes videográficas sugiriendo una emisión televisiva en circuito cerrado. Curiosamente el resultado está cerca, tanto de los experimentos en el campo del vídeoarte del matrimonio Vasulka como de las primeras investigaciones formalistas, cercanas a las ideas expansivas de la psicodelia, de autores como Pat O'Neil y Scott Bartlett -cuyo vídeo Off/On es digno de mención-.

Juan Ugarriza - Grande-Marlaska

CÍRCULOS (2005)



La primera alegría de este nuevo año 2008 es el descubrimiento, por parte de uno mismo, del grupo Grande-Marlaska. El trío madrileño antes conocido como Garzón -el otro "superjuez" que prohibió el uso de su nombre- acaba de editar su primer flamante disco "El momento de hacer" (editado por Tres Pies), un compendio de canciones indie-pop de vitalismo punk y espíritu literario, que por su energía y sensibilidad se emparenta con bandas college rock como The Feelies o The Violent Femmes (el crítico musical Víctor Lenore los emparenta con otras muchas bandas en su myspace: de los Go-Betweens a los Wedding Present y de éstos a McCarthy (o lo que es lo mismo Tim Gane antes de comandar Stereolab). El tema "Círculos" pertenece al EP "Otra Fuerza". Su videoclip es un remontaje, una apropiación, un found footage (hallado y desempolvado) que recupera unas imágenes de aspecto rematadamente retro que nos traslada a los grisáceos setenta. La textura de la imagen denota un uso del Kodachrome de 8mm (por las veladuras laterales que se suceden) cuyos colores han perdido intensidad, a excepción de los tonos rojizos. Las pocas manipulaciones digitales realizadas por Juan Ugarriza (repetición de planos y efectos de simetría) no empañan unos fotogramas encantadores que esconden una valiosa información: ¿de qué músico se trata? Escuchen "Frontón", juzguen por ustedes mismos y como dijo el bueno de Kiko Amat (no sé si de ellos o de Tarántula):"háganse fans".

Edward O'Brien - Clap Your Hand Say Yeah!

IS THIS LOVE (2007)



"Do you believe in a love at first sight? Yes I'm certain that it happens all the time", se preguntaban y respondían los Beatles en uno de los temas dels Sgt. Peppers. "Is this love?" cuestionan los norteamericanos Clap Your Hands Say Yeah!. El vídeoclip que ilustra este efectivo tema de pop eufórico plantea el amor a primera vista entre dos aspiradoras que se encuentran inesperadamente en la esquina de una calle. Con una meditada planificación se elabora la típica historia de amor contada miles de veces por el cine narrativo ejemplificada en la frase "chico conoce chica". El final intencionadamente decadente resulta poco dramático, ya que las imágenes no pueden -ni tampoco quieren- escapar del tono naïf tipo Amélie, que respiran todos los encuadres. Los subtítulos en italiano son la voz omnipresente que ayuda a narrar una historia completamente convencional con unos protagonistas del todo originales. Los precedentes de la animación de electrodomésticos en el cine nos llevarían de la célebre lámpara 3D de Pixar a la nevera psicópata de Requiem for a Dream.

Cam Archer - Pantaleimon

WE LOVE (2007)



Cam Archer es una de las revelaciones de la temporada. Es un joven realizador de videoclips apadrinado por Gus Van Sant que ya ha dirigido un largometraje titulado "Wild Tigers I Have Known". La soledad, el desasosiego, las revelaciones y la melancolía en entornos rurales y campestres son temas recurrentes en los vídeos de Emily Jane White, Sarabeth Tucek, Xiu Xiu y el más reciente creado para la música de Six Organs of Admittance. La diferencia entre las imágenes de estos vídeos y las que ilustran el tema de Pantaleimon está en la textura fotográfica. Parece ser que prescindiendo de la dirección de fotografía de Aaron Platt, Archer adquiere un carácter espectral (algo fantasmagórico) sobredimensionado por el uso del slow motion. El grano del celuloide (en formato super 8), las veladuras, el parpadeo de la luz del proyector producido por el telecinado y esos indescriptibles desenfoques finales, cargan de significación introspectiva el paseo solitario de la cantante Andria Degens, cuya voz se sitúa a medio camino de las de Hope Sandoval, Isobel Campbell y Emiliana Torrini.

Domingo González - La Casa Azul

LA REVOLUCIÓN SEXUAL (2007)



"Chicle-pop retrofuturista para todos los gustos". Este sería el lema de la delirante combinación entre la canción poppie (con bajos y ritmos disco-funky) de Guille Milkyway y el videoclip androide de Domingo González. Un decorado rojizo algo hiperespacial es el escenario donde los adolescentes identificados con La Casa Azul, el autor e intérprete de los temas y las decenas de acompañantes realizan unas coreografías completamente coordinadas al son de La Revolución Sexual. El vestuario a lo Star Trek, la serie V o los Kraftwerk de Man Machine tiene un tono moderno y futurista que los aparatos de realidad virtual y los efectos a lo Minority Report acaban de conformar. "El sexo será ciberespacial o no será", se podría deducir de la letra. Planos picados y contrapicados capturados desde una grúa, juegos de luces hiperactivos y pasos de baile sensuales y mecánicos son la base a la que se aplican decenas de efectos digitales (del láser a la teletransportación y de éstos a la realidad virtual). Un vídeo resultón como todos los que Domingo González ha realizado para LCA -como los de Superguay y Como Un Fan-, y el que ganó el premio en el concurso Lemon Pop con el de Camera Obscura. Por cierto que La Casa Azul actuará el próximo sábado en la Sala Apolo y durante los próximos días en todas las capitales de la Península Ibérica.

Michael Klöfkorn / Oliver Husain - Sensorama

STAR ESCALATOR (1998)



La pieza audivisual realizada por Klöfkorn y Husain para el dúo alemán Roman Flügel y Jörn E. Wuttke parte de un principio tan básico como efectivo: el de animar objetos inanimados (como el célebre Hotel Eléctrico de Segundo de Chomón) pero esta vez al ritmo de los beats digitales. Las puertas de diferentes párkings se abren y se cierran en función de la electrónica marcada de Sensorama. El videoclip está filmado en 16mm para luego postproducirse en vídeo y así poder planificar rigurosamente los movimientos de las puertas al son de los microbeats y las cadencias ambientales. La textura fotográfica no queda lastimada por el montaje realizado en ordenador, más bien ayuda a adentrarse en las minúsculas repeticiones que se suceden en el entorno. Star Esalator es la primera muestra que se puede encontrar en la compilación de videoclips recogidos en Visual Inches. Ahí destacan piezas aquí ya reseñadas de Coldcut y Röyksopp, junto a otras como la de los geniales Mouse On Mars (quienes también estarán en el Primavera Club al lado del chillón de Mark E. Smith de The Fall, en el nuevo proyecto Von Südenfed).

James Sumner - Deerhunter

STRANGE LIGHTS (2007)



Estarán actuando el último día del Primavera Club, seguramente minutos antes de que Thurston Moore salga al escenario. Acaban de editar el álbum "Cryptogramas" y son una de las bandas psycho-noise (psicodelia ruidosa, enfermiza y alucinógena) más interesantes del último año. El grupo Deerhunter ha sido objeto de un vídeo por parte de James Sumner, que al parecer está detrás de un proyecto operístico de los Dirty Projectors (grupo con el que también ha trabajado la hija del cineasta de vanguardia norteamericano Ken Jacobs). El videoclip tiene muchos puntos de conexión con Ronald Nameth y su película dedicada a la Exploding Plastic Inevitable de Andy Warhol. Es decir que visionar la pieza y escuchar la música remite inevitablemente a los primeros espectáculos multimedia de la Velvet Underground, Gerard Malanga, Edie Sedgwick y compañía.
Las imágenes de "Strange Lights" inducen a confusiones. La calidad del vídeo no ayuda a determinar del todo el modo en que se ha realizado, pero por lo que parece se ha hecho en una sola toma, capturando el rostro del cantante y otros componentes situados al lado. Las iluminaciones estroboscópicas de colores en perpetuo movimiento permiten una multiplicidad de tonalidades efímeras que van dibujando la mirada y las facciones, al mismo tiempo que desfiguran la percepción de su conjunto, hallando momentos inquietantes (algo terroríficos) por la indefinición de lo observado, por una presencia ausente (valga el oximorón) que tiene algo de esquizofrénica.

Ro Rao - Daniel Johnston

TRUE LOVE WILL FIND YOU IN THE END



La realización de videoclips por videoaficionados y cineastas amateurs es una tendencia que el fenómeno youtube ha expandido de manera considerable. Canciones que no fueron objeto de acompañamiento visual en su momento (por la falta de recursos económicos o la ausencia de respaldo discográfico), parecen ser el soporte más adecuado para unas prácticas que distan de ser productos audiovisuales, con fines comerciales, para manifestarse como declaraciones de estima y entusiasmo por ciertas músicas. El director de arte Ro Rao ha facturado un vídeo mediante fotografías en blanco y negro de interiores y exteriores, otras de personajes animadas frame a frame, y animaciones digitales con sentido atmosférico. El resultado son dos capas visuales (fotográfica y digital) que conjugan perfectamente para dar un tono melancólico a la canción más conmovedora del cantautor norteamericano Daniel Johnston.
Ir a trabajar un jueves por la mañana a la escuela y observar que una de sus alumnas lleva una camiseta con el dibujo del disco "Hi, How Are You" (1983) -la misma que Kurt Cobain procuraba mostrar en los platós de televisión, como homenaje a uno de las voces del indie americano más personales de los años 80 y 90-, es si más no curioso y sorpresivo. Incluso emociona.

Gabe Ibáñez - Le Mans

CANCIÓN DEL TODO VA MAL (1998)



Le Mans fueron uno de los grupos más representativos del pop independiente nacional de la década de los años noventa. Las maravillosas canciones de Ibón Errazkin, Teresa Iturrioz y Jone Gabarain dieron lugar a composiciones preciosistas y minimalistas, de letras sinceras de apatía de domingo por la mañana. "Entresemana", "Saudade" y "Aquí vivía yo" son álbumes delicados que amagan temas como "Mi novela autobiográfica" o este "Canción del todo va mal".
El videoclip de Ibáñez, recuerda la portada poppie-naïf de una compilación de documentales recién editada, a tener en cuenta, titulada 10d10. Los recortes de figuras geométricas de colores pálidos se desplazan por el cuadro de la imagen como lo hacían los rectángulos de Hans Richter (Rythmus 21) o las circunferencias de Oskar Fischinger. Es el nombre de este último cineasta de la animación con el que el vídeo encuentra más similitudes por las variaciones de dimensión de los círculos y los colores con los que se filma frame a frame. Hecho en truca, el vídeo también incluye espirales en rotación fáciles de conectar con el Anémic Cinéma de Marcel Duchamp y combinaciones aleatorias de formas abstractas que parecen flotar en la superficie (como las formas pictóricas de Kasimir Malevich). La sensación final es que el carácter amateur y cándido de las imágenes queda perfectamente acoplado con la ingenuidad de la letra de la canción y la aparente sencillez de las notas musicales.

Kevin Kerslake - Ride

VAPOUR TRAIL (1990)



Una de las bandas inglesas más emblemáticas del aquel movimiento musical de principios de los noventa conocido como shogazer, fueron los Ride. My bloody Valentine (a destacar el álbum "Loveless") y Slowdive (tanto "Souvlaki" como "Pygmalion") fueron los nombres más condescendientes con un estilo ruidoso y melódico, que también admitió otros más pop como The Boo Radleys, Lush o The Verve.
"Vapour trail" forma parte del disco más redondo de los de Oxford, "Nowhere" (1990), y es su canción más recordada y emotiva. El videoclip lo dirigió un realizador que ha trabajado para una larga lista de grupos de pop independiente y mainstream alternativo como los Red Hot Chili Peppers, Stone Temple Pilots y derivados. El año 1992 se editó un VHS que vino a recoger algunos de los videoclips más emblemáticos del sello discográfico Creation. "The Story of Creation" constaba tanto de piezas del "Screamadelica" de Primal Scream, como este "Vapour Trail" de Ride.
Los recursos estilísticos utilizados en el vídeo van de la imagen en slow motion a el uso de superposiciones, donde las veladuras y los garabatos parecen pertenecer a película cinematográfica gastada. Esta primera capa transparente muestra imágenes de los componentes del grupo en unos exteriores inhóspitos, donde las tonalidades de colores están completamente saturadas. Colocar el vídeo junto a los 77 millones de pinturas videográficas de Brian Eno no resultaría anecdótico, ya que el vídeo de Kerslake consigue una textura pictórica -hecha de violetas, rosas y amarillos chillones- mediante efectos electrónicos de post-producción propios de las prácticas del vídeoarte de los años ochenta.

Claire Carré - Sufjan Stevens

JOHN WAYNE GACY JR. (2005)



Claire Carré ha hecho de asistente de direcció de algunos filmes y series de televisión, como indica la página web de IMDB. Carré escogió uno de los mejores temas del maravilloso Illinois (en el que también se encuentra la célebre canción Chicago) de Sufjan Stevens -el cantautor pop de raíces folk nacido en Detroit, Michigan-, para realizar un videoclip de textura cinematográfica, pero crítico con la visión unívoca promovida por las películas educacionales americanas de los años '50. Con este trabajo de compilación -que muy bien podría haberse editado mediante las ediciones en DVD del sello Fantoma (especialistas en recuperar el legado de los archivos fílmicos publicitarios del "american way of life" mediante la serie Educational Archives)-, la directora plantea la relación entre padres e hijos recordando las imágenes familiares de apertura que se mostraban en la serie de televisión Aquellos Maravillosos Años. Films amateurs y producciones educacionales (impagables las recomendaciones que van apareciendo en el aula de una escuela) sirven para recuperar el tiempo de ocio durante la infancia, la voluntad de documentar esos momentos por parte de los padres y la mirada nostálgica que a la larga queda de todo ello. El plano final intuye significados que, en cierta medida, traerían cola si llevaran el apellido de los Friedmans.
El inicio de la letra de Stevens ya indica la felicidad encubierta que esconden todas estas imágenes: "His father was a drinker, and his mother cried in bed".

Simon Headwood - Devendra Banhart

HEARD SOMEBODY SAY (2005)



El jueves 22 de noviembre Devendra Banhart actúa en la Sala Apolo de Barcelona. Será un buen momento para apreciar cómo suenan en directo las magníficas canciones del recién editado Smokey Rolls Down Thunder Canyon (2007). El tema Heard Somebody Say pertenece al álbum anterior Cripple Crow; disco en el que homenajeaba en la portada el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles.
El videoclip de esta canción está rodado en Coney Island, en Nueva York. Devendra Banhart y una serie de hippies que parecen ser la banda que le acompaña en los directos, se pasean por las calles y el muelle de este barrio emblemático -caracterizado por su parque de atracciones-, sin dejar de lado el entretenimiento con los karts, ni el reposo en la arena de la playa. El aire a comuna hippy que se respira queda intensificado por la filmación en interiores de una cama austera en la que se suceden una serie de apariciones místicas, que todos acaban venerando. Las imágenes realizadas en gran angular e iluminadas por el sol anaranjado, muestran los componentes realizando mínimas acciones rítmicas, en un videoclip cuyo tema musical sobresale respecto al montaje visual.

Bernat Lliteras e Ibra Muñoz - Facto Delafé y Las Flores Azules

EL INDIO (2007)



Gran concierto, el de Facto Delafé y Las Flores Azules, ayer, en la sala Luz de Gas ("¡dale gas, luz de gas!"). Presentaron su segundo disco "La Luz de la Mañana" con una energía, una vitalidad ("¡de subidón!") y una gracia envidiables ("!que te va a enterá, de lo que vale un peine!"). Dos de los temas más emocionantes del primer disco ("Mar el Poder del Mar" y "Extra") sirvieron para intercalar las excelentes canciones del último disco (con el tema de la peli de "La Juani" incluida). Y "poquito a poco" entre "no nos menospreciemos" y "el sol, la sal, en tus labios" ofrecieron un "showcase" que tuvo mucho de show-performance a lo Flaming Lips (confetis, globos gigantes de colores, burbujas y visuales) sin pretensión, pero con ambición.
"El Indio" es el primer single. Su vídeoclip es un elogio a la épica cotidiana, el carpe diem y el síndrome de peter pan, una oda a la ilusión por las pequeñas cosas, los colores, las relaciones, las bicicletas, los juegos y las sonrisas. Un plano secuencia en el que el cantante Óscar se pasea al inrevés por un párking rodeado de amigos y fans del grupo (del myspace) demuestra la "calidad y la capacidad" en la simplicidad "¡verdurita buena!". "¡Es bueno y es natural!", con efecto especial y sin gravedad.

Grant Gee - Radiohead

NO SURPRISES (1998)



Acaba de salir al mercado (cibernético) el nuevo disco de los Radiohead. Los ingleses han tenido la original idea de colgar "In Rainbows" en su web para que la gente se lo descargue al precio que considere razonable -o al precio que les salga de las narices, que viene a ser lo mismo-. Pero en los tiempos del Soulseek (Solarseek en su versión para Mac) a quién se le ocurre pagar un duro para unas cuantas canciones sin soporte físico, ni digipack, ni libreto, ni las letras de las canciones..., sólo a los de Estados Unidos, que por lo visto ahí es delito.
Grant Gree dirigió en 1998 el vídeo del tema No Surprises, extraído del disco "Ok Computer". Este realizador de videoclips (los ha hecho para Dj Spooky, Blur, Coldplay y Luke Haines) planteó la pieza como un sólo plano estático en el que el rostro de Tom Yorke se ve amenzado por las dificultades a la hora de respirar, a medida que va subiendo el nivel del agua del espacio en el que se encuentra. Esta pieza podría situarse a medio camino del vídeoarte como experiencia sensorial y experimentación corporal (Vito Aconcci, Bruce Nauman...). Pero también por la sencillez del planteamiento y las posibilidades visuales que se extráen de ella; sobretodo la iluminación y la distorsión de la cara de Yorke (y de su ojo ya de por sí lastimado) bajo el agua.